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斯特恩的画中充满了各种逸闻趣事的细节，也表现出他对乡间生活的热爱。
那乱糟糟的酒馆、醉醺醺的夫妻，还有心怀叵测的情人，都让我们想起一个世纪前彼得·勃鲁盖尔的作品。
与勃鲁盖尔一样，斯特恩的道德感只不过是装装样子——目的不在于教化，而是娱乐。
斯特恩作品中唯一的道德启示似乎就是：快乐是个好东西。
斯特恩擅长描绘世俗的欢乐，莱斯特与哈尔斯乐于呈现舒心开怀的笑容，而范·戈因创作出水汽氤氲的单色风景画。
每一位荷兰画家都身怀绝技，各有特色。
这不仅是个自由的时代，也是个专业的时代。
为谋生计，每个人都必须牢牢占据自己的市场——无论是酒馆中的场景、盛放的奇花异草，还是滑冰的人们、迷人的夜色、鸟瞰的景物，抑或是特定光线下的群像。
艺术家们渴望像金主那样富有，在这个全新的资本主义时代，财富让他们能过上豪奢的生活，也能获得社会的尊重。
▲ 《生病的女人》，扬·斯特恩，1663——1666年，布面油画，76厘米×63.5厘米。
阿姆斯特丹，国立博物馆
在这一时期，新的风俗类型画尤其能带来丰厚的回报。
出生于安特卫普的画家安布罗修斯·博斯查尔特（AmbrosiusBosschaert）发明了花卉画，他是在16世纪90年代移居至米德尔堡的，这是许多新教难民为逃避迫害而北上的移民潮之一。
他的花卉静物画构图严谨，花束对称，时常摆放在中国瓷器花瓶中，后衬幽暗背景，或置于简单石拱之上。
花朵的描绘极为精准科学，甚至可作为植物学的插画。
博斯查尔特不仅将他的儿子培养成画家，还拥有一位画家女婿——巴尔萨泽·凡·德·阿斯特（Balthasarva），可以说，博斯查尔特家族就是当时最高级（也是最昂贵）的花卉静物画的代名词。
有一位画家却超越了市场驱动的专业化分工，作品涵盖了各种主题与类型，还着力发展了一种新的绘画类型，即自画像（不过当时并没有这个说法——这个术语直到数百年后才开始被人们采用）。
不同于以往任何作品，他笔下的人类生活展示出了人生中深沉的情感，尤其是年华老去时的深刻感受。
与较早前的阿尔布雷特·丢勒一样，他在画中也融合了对生命的深刻诘问与对版画艺术的痴迷。
当年丢勒采用的是雕版与木刻，他则采用蚀刻工艺，创造出的版画更像是风景素描作品。
伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（RembrandtHarmenszoonvanRijn）天赋极佳，且自视甚高。
自创作生涯早期，他在画作上就只签署自己的名字而非姓氏。
此举是在效仿一个世纪前的伟大画家提香，他也从来不签署姓氏“维伽略”
。
伦勃朗还想媲美提香那种粗放的美感。
他不仅做到了，而且在展现光影效果与刻画氛围方面甚至青出于蓝而胜于蓝。
他孜孜不倦、坚持不懈地创作，还带着画家特有的疏离感，这种疏离感让他每次抬头望去，都能够重新审视这个世界，也让他能够驾驭几乎所有的题材，无论是历史还是当代，是英雄主义还是世俗风情，万事万物都可以进入他的画作。
他的名字和一个主题密切相关，那就是衰老的自然过程。
他并非第一位展现老年的艺术家——早在1610年，伦勃朗当时只有4岁，年逾七旬的索福尼斯巴·安圭索拉就画过自己垂垂老矣的形象，流露出不服老的坚强气度。
但安圭索拉并没有像伦勃朗那样长期而深刻地精准刻画衰老给人带来的影响。
在他生命的最后几年，伦勃朗创作出了他最为动人的作品之一：一幅自画像。
画像中的伦勃朗仍在工作，手持调色板、画笔和腕杖（画家用腕杖来避免触碰到画布上未干透的油彩）[406]。
他神情隐忍，五官似乎融入片片油彩之中。
他以画笔底端刮抹，而调色板上只有寥寥几笔土黄色的颜料。
他身穿深色镶毛边的长袍，一半身体隐入画布底端的暗影深处，而白色的画家帽则正处于明亮高光之下。
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